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| चित्र:1, बीपल, "एवरीडेज" |
शोध सार: समकालीन समाज की उभरती जटिलताओं को प्रतिबिंबित करने वाली नई प्रवृत्तियों और रंग योजनाओं के साथ, दृश्य कलाएँ गहरे बदलावों का अनुभव कर रही हैं। यह पेपर डिजिटल कला और आभासी वास्तविकता (वीआर), कृत्रिम बुद्धिमत्ता तथा जनरेटिव कला, स्थिरता एवं पर्यावरण-कला, इंटरनेट के बाद की कला तथा कला में सामाजिक और राजनीतिक सक्रियता सहित महत्वपूर्ण विकासों की पड़ताल करता है। ये रुझान न केवल कला के निर्माण के तरीके को बदल रहे हैं, बल्कि यह दुनिया के साथ संचार और जुड़ाव के तरीके को भी बदल रहे हैं। कलाकार नई रंग योजनाओं जैसे ट्विस्ट के साथ मोनोक्रोम, पेस्टल पैलेट, नियॉन और फ्लोरोसेंट रंग, ग्रेडिएंट और ओम्ब्रे प्रभाव तथा हाइपर-संतृप्त एवं अति-यथार्थवादी रंग योजनाओं के माध्यम से अपने काम की दृश्य भाषा को फिर से परिभाषित कर रहे हैं। ये उभरते रुझान और रंग नवाचार कला जगत की असीमित रचनात्मकता और सामाजिक तथा पर्यावरणीय चुनौतियों को संबोधित करने एवं प्रतिबिंबित करने की क्षमता को दर्शाते हैं। यह अध्ययन इस बात पर प्रकाश डालता है कि कलाकार कैसे पारंपरिक सीमाओं को तोड़ रहे हैं और प्रौद्योगिकी को मानवीय अनुभव के साथ जोड़ रहे हैं। 21वीं सदी में दर्शकों को कला के साथ बातचीत करने के नए तरीके पेश कर रहे हैं।
बीज शब्द: दृश्य कला में नए रुझान, डिजिटल कला, आभासी वास्तविकता, कृत्रिम बुद्धिमत्ता, जनरेटिव कला, स्थिरता, इको-आर्ट, पोस्ट-इंटरनेट कला, सामाजिक सक्रियता, मोनोक्रोम, पेस्टल पैलेट, नियॉन रंग, ग्रेडिएंट प्रभाव, हाइपर-संतृप्ति।
मूल आलेख: दृश्य कला का विकास एक गतिशील और निरंतर विकसित होने वाली प्रक्रिया है, जो सांस्कृतिक बदलावों, तकनीकी प्रगति और कलाकारों की रचनात्मकता द्वारा आकार लेती है। आज दृश्य कलाएँ महत्वपूर्ण परिवर्तनों से गुजर रही हैं, जिसमें समकालीन सामाजिक माँगों को पूरा करने के लिए नए रुझान और रंग योजनाएँ उभर रही हैं। ये बदलाव कला के निर्माण, धारणा और मूल्यांकन के तरीके में गहरे बदलावों का प्रतिनिधित्व करते हैं।
एक प्रमुख विकास डिजिटल तकनीक का एकीकरण है, जिसने कला के निर्माण में क्रांति ला दी है। कलाकार अब पेंट और कैनवास जैसे पारंपरिक मीडिया से मुक्त होकर डिजिटल टूल का उपयोग करते हैं। उदाहरण के लिए, डिजिटल कलाकार बीपल की प्रसिद्ध कोलाज श्रृंखला "एवरीडेज: द फर्स्ट 5000 डेज", जिसे NFT के रूप में बेचा जाता है, यह दर्शाती है कि कैसे तकनीक कला के उत्पादन और कला के बाज़ार दोनों को नया रूप देती है। एक और प्रवृत्ति पर्यावरणीय स्थिरता पर बढ़ता ध्यान है, जिसमें ओलाफर एलियासन जैसे कलाकार जलवायु परिवर्तन को उजागर करने के लिए अपने काम का उपयोग करते हैं। एलियासन के द्वारा किया गया इंस्टॉलेशन "आइस वॉच" ने पर्यावरण के प्रति जागरूकता बढ़ाने के लिए सार्वजनिक स्थानों पर पिघलते हुए बर्फ के टुकड़े रखे, वैश्विक चिंताओं को संबोधित करने में कला की शक्तिशाली भूमिका पर जोर दिया।
समकालीन कला में रंग योजनाएँ भी विकसित हो रही हैं, जिसमें कलाकार सूक्ष्म और बोल्ड दोनों तरह के रंगों की खोज कर रहे हैं। क्लेयर टैगोरेट के पेस्टल का उपयोग स्मृति और पहचान के विषयों को दर्शाता है, जबकि शहरी कला में नियॉन रंग हावी हैं, जो बोल्ड अभिव्यक्तियाँ बनाते हैं। यायोई कुसामा के "इन्फिनिटी मिरर रूम" इस बात का उदाहरण हैं कि कैसे रंग दर्शकों की धारणाओं को बदल सकते हैं और इमर्सिव अनुभव बना सकते हैं।
ये विकास दृश्य कलाओं में व्यापक बदलाव को दर्शाते हैं, क्योंकि कलाकार लगातार परंपराओं को चुनौती देते हैं, दर्शकों को दुनिया से जुड़ने के नए तरीके पेश करते हैं। फलस्वरूप, दृश्य कला आज के सांस्कृतिक, तकनीकी और पर्यावरणीय परिदृश्यों के साथ गहराई से जुड़ी हुई एक जीवंत तथा अभिनव की क्षेत्र बनी हुई है।
दृश्य कला में नए रुझान
1. डिजिटल कला और आभासी वास्तविकता (वीआर)
डिजिटल तकनीक के आगमन ने दृश्य कलाओं में क्रांति ला दी है, एक नए युग की शुरुआत की है जहाँ पारंपरिक सीमाएँ तेजी से धुंधली हो रही हैं और अभिनव का माध्यम केंद्र में हैं। डिजिटल कला, जिसे कभी कला की दुनिया के हाशिये पर धकेल दिया गया था, अब समकालीन कलात्मक अभ्यास की आधारशिला बन गई है। कलाकार आज कई तरह के सॉफ्टवेयर टूल का उपयोग करते हैं, जिसमें एडोब फोटोशॉप, इलस्ट्रेटर और उन्नत 3डी मॉडलिंग प्रोग्राम शामिल हैं, जो कलात्मक अभिव्यक्ति की संभावनाओं को चुनौती देते हैं तथा उनका विस्तार करते हैं। ये डिजिटल रचनाएँ अक्सर अपनी जटिलता, विस्तार और भावनात्मक प्रतिध्वनि में पारंपरिक कला रूपों से मेल खाती हैं।
डिजिटल कला के उदय ने दृश्य कला के बारे में हमारे सोचने और बातचीत करने के तरीके को मौलिक रूप से बदल दिया है। उदाहरण के लिए, कलाकार माइक विंकेलमैन, जिन्हें बीपल के नाम से भी जाना जाता है, जो अपनी डिजिटल कला श्रृंखला "एवरीडेज" के लिए अंतरराष्ट्रीय स्तर पर पहचान हासिल की है, जिसका समापन एक डिजिटल कोलाज को नॉन-फंजिबल टोकन (NFT) के रूप में 69 मिलियन डॉलर में बेचने के रूप में हुआ।1
इस अभूतपूर्व घटना ने न केवल डिजिटल मीडिया की कलात्मक क्षमता को उजागर किया, बल्कि कला के बाजार में एक महत्वपूर्ण बदलाव का संकेत भी दिया, जहाँ अब डिजिटल कलाकृतियों को पारंपरिक उत्कृष्ट कृतियों के साथ महत्व दिया जा रहा है।
2. कृत्रिम बुद्धिमत्ता और जनरेटिव कला
आर्टिफिशियल इंटेलिजेंस (AI) और जनरेटिव एल्गोरिदम दृश्य कलाओं को बदल रहे हैं, रचनात्मक प्रक्रिया में मशीनों और मनुष्यों के बीच सहयोग का एक नया युग बना रहे हैं। यह एकीकरण कलाकारों को गतिशील और विकसित होने वाले कार्यों का निर्माण करने की अनुमति देता है जो विभिन्न इनपुट पर प्रतिक्रिया करते हैं, रचनात्मकता और लेखकत्व की पारंपरिक धारणाओं को चुनौती देते हैं।
जनरेटिव आर्ट, जहां एल्गोरिदम पैटर्न या संपूर्ण रचनाएँ बनाते हैं, दशकों से मौजूद है, लेकिन AI ने इस अभ्यास को आगे बढ़ाया है। कलाकार अब न्यूरल नेटवर्क जैसे मशीन लर्निंग मॉडल का उपयोग करके ऐसी कलाकृतियाँ बनाते हैं जो दुनिया के लिए सीखने और अपनाने योग्य है। उदाहरण के लिए, मारियो क्लिंगमैन की "मेमोरीज ऑफ पासर्सबी आई" अद्वितीय, वास्तविक समय के चित्र बनाने के लिए AI का उपयोग करती है, जो कलाकार की भूमिका के बारे में सवाल उठाती है - चाहे वह मशीन को प्रोग्राम करने वाला इंसान हो या AI खुद कला का निर्माण कर रहा हो।2
चित्र:2, मारियो क्लिंगमैन, "मेमोरीज ऑफ पासर्सबी आई"
AI उन विकासशील टुकड़ों के निर्माण को भी सक्षम बनाता है जो उत्तेजनाओं पर प्रतिक्रिया करते हैं। रेफिक एनाडोल की "मेल्टिंग मेमोरीज" मस्तिष्क गतिविधि डेटा की व्याख्या करती है, इसे तरल, अमूर्त दृश्य कला में बदल देती है। AI और मानवीय अनुभूति का यह मिश्रण दर्शकों को व्यक्तिगत स्तर पर काम से जुड़ने के लिए आमंत्रित करता है, जिससे कलात्मक अभिव्यक्ति की संभावनाओं का विस्तार होता है।3
जैसे-जैसे AI-जनरेटेड कला प्रमुखता प्राप्त करती है, यह लेखकत्व की अवधारणा को चुनौती देती है। स्वामित्व और मशीनों को कलाकार माना जा सकता है या नहीं, इस पर बहस जारी है। इसके अतिरिक्त, आभासी वास्तविकता (VR) दर्शकों को इंटरैक्टिव, त्रि-आयामी वातावरण में डुबो कर कला के अनुभवों में क्रांति ला रही है। राहेल रॉसिन, VR कला में अग्रणी कलाकार, अपने काम "आई एम माई लविंग मेमोरी" जैसे अतियथार्थवादी डिजिटल परिदृश्य बनाती है, जो वास्तविकता और आभासी दुनिया के बीच की सीमाओं को धुंधला कर देती है।4
ये तकनीकी प्रगति न केवल दृश्य कला की सीमाओं को आगे बढ़ाती है बल्कि 21वीं सदी में कला के निर्माण, वितरण और अनुभव को भी पुनर्परिभाषित करती है, जो एक ऐसे भविष्य की ओर इशारा करती है जहाँ कला और प्रौद्योगिकी अविभाज्य हैं।
3. स्थिरता और इको-आर्ट
जैसे-जैसे पर्यावरण संबंधी चिंताएँ बढ़ती जा रही है, दृश्य कलाओं पर स्थिरता का प्रभाव बढ़ता जा रहा है। समकालीन कलाकार अपने काम में पुनर्नवीनीकृत सामग्री, कार्बनिक रंगद्रव्य और संधारणीय तकनीकों का उपयोग करते हुए पर्यावरण के अनुकूल प्रथाओं को अपना रहे हैं। यह बदलाव पर्यावरणीय जिम्मेदारी की ओर एक व्यापक सांस्कृतिक आंदोलन को दर्शाता है और इसने इको-आर्ट आंदोलन को जन्म दिया है, जहाँ कला की अभिव्यक्ति का एक रूप और पारिस्थितिक वकालत का एक मंच दोनों बन जाती है।
इको-आर्ट सौंदर्यशास्त्र से परे है, यह पर्यावरणीय मुद्दों के बारे में जागरूकता बढ़ाने के उद्देश्य से सक्रियता का एक रूप है। इसका एक प्रमुख उदाहरण एग्नेस डेन्स की “व्हीटफील्ड - ए कॉन्फ्रंटेशन” (1982) है, जहाँ उन्होंने लोअर मैनहट्टन में एक लैंडफिल पर दो एकड़ का गेहूँ का खेत लगाया था। शहरी गगनचुंबी इमारतों की पृष्ठभूमि में स्थित, यह कलाकृति शहरी विकास और प्रकृति के बीच तनाव का प्रतीक है। बंजर भूमि को उत्पादक क्षेत्र में बदलकर, डेन्स ने लोगों को प्रकृति और प्राकृतिक संसाधनों के महत्व के साथ अपने संबंधों पर पुनर्विचार करने के लिए आमंत्रित किया।5
चित्र:3, एग्नेस डेन्स, “व्हीटफील्ड - ए कॉन्फ्रंटेशन” (1982)
इसी तरह, ओलाफ़र एलियासन की “आइस वॉच” इंस्टॉलेशन ने सार्वजनिक स्थानों पर पिघलने के लिए ग्लेशियल बर्फ के ब्लॉक रखे, जिससे जलवायु परिवर्तन का एक स्पष्ट दृश्य प्रतिनिधित्व हुआ। बर्फ का उपयोग करके, जो पृथ्वी की जलवायु से बहुत निकटता से जुड़ी हुई सामग्री है, एलियासन ने ग्लोबल वार्मिंग की अमूर्त अवधारणा को मूर्त रूप दिया, दर्शकों से पर्यावरण के प्रभाव पर विचार करने का आग्रह किया। उनका काम लोगों को ग्रह की नाजुकता और तत्काल बदलाव की आवश्यकता की याद दिलाते हुए कार्रवाई के लिए आह्वान के रूप में कार्य करता है।6
ये उदाहरण दर्शाता है कि कैसे इको-कलाकार अपने काम का उपयोग न केवल दृश्य रूप से प्रभावशाली टुकड़े बनाने के लिए करते हैं, बल्कि दर्शकों को मानवता के पर्यावरणीय प्रभाव पर विचार करने के लिए चुनौती भी देते हैं। स्थिरता को एक विषय और अभ्यास दोनों बनाकर, इको-आर्ट पर्यावरण जागरूकता को बढ़ावा देने और अधिक टिकाऊ भविष्य की दिशा में कार्रवाई को प्रेरित करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है।
4. इंटरनेट के बाद की कला
इंटरनेट के बाद की कला एक समकालीन आंदोलन है जो आधुनिक जीवन पर इंटरनेट और डिजिटल संस्कृति के गहन प्रभाव की खोज करता है। डिजिटल युग की प्रतिक्रिया में उभरी इस शैली में ऐसी कलाकृतियाँ शामिल हैं जो इंटरनेट की आलोचना करती हैं, उस पर टिप्पणी करती हैं या उससे प्रभावित होती हैं। इस आंदोलन के कलाकार इंटरनेट को प्रेरणा और माध्यम दोनों के रूप में इस्तेमाल करते हैं, आज की डिजिटल दुनिया में ऑनलाइन पहचान, डिजिटल निगरानी और सूचना की परिवर्तनशील प्रकृति की जांच करता है। इंटरनेट के बाद की कला की एक प्रमुख विशेषता यह है कि इसमें डिजिटल और भौतिक क्षेत्र के बीच की रेखाओं को धुंधला करने की क्षमता है।
जॉन राफमैन का काम इंटरनेट के बाद की कला के भीतर एक और दृष्टिकोण प्रदान करता है, जो डिजिटल संस्कृति के गहरे पहलुओं पर ध्यान केंद्रित करता है। उनकी श्रृंखला “9 आईज़ गूगल स्ट्रीट व्यू” से छवियों को क्यूरेट करती है, जो विचित्र और परेशान करने वाले क्षणों को कैप्चर करती है जिन्हें स्वचालित कैमरों ने रिकॉर्ड किया है। इन छवियों को कला के रूप में प्रस्तुत करके, राफमैन एक हाइपर-कनेक्टेड दुनिया में डिजिटल निगरानी और गोपनीयता के बारे में सवाल उठाते हैं। उनका काम दर्शकों को इस बात पर विचार करने के लिए प्रोत्साहित करता है कि इंटरनेट वास्तविकता की हमारी धारणा और डिजिटल जीवन से जुड़े नैतिक मुद्दों को कैसे प्रभावित करता है।7
चित्र:4, जॉन राफमैन, “9 आईज़ गूगल स्ट्रीट व्यू”
पेट्रा कॉर्टराइट पारंपरिक कला तकनीकों को आधुनिक तकनीक के साथ मिलाकर इसका उदाहरण पेश करती हैं। कॉर्टराइट इंटरनेट से ली गई छवियों और फोटोशॉप फिल्टर का उपयोग करके डिजिटल पेंटिंग बनाती हैं, जिसमें आभासी तत्वों को वास्तविक दुनिया के सौंदर्यशास्त्र के साथ मिलाया जाता है। उनका काम डिजिटल पुनरुत्पादन के युग में प्रामाणिकता और मौलिकता के विचारों को चुनौती देता है तथा यह दर्शाता है कि इंटरनेट किस प्रकार समकालीन कला और सौंदर्यशास्त्र को आकार देता है।8
इंटरनेट के बाद की कला न केवल डिजिटल युग के सौंदर्यशास्त्र से जुड़ती है, बल्कि एक परस्पर जुड़ी दुनिया में जीवन के व्यापक सामाजिक, सांस्कृतिक और राजनीतिक निहितार्थों को भी संबोधित करती है। जैसे-जैसे कलाकार इंटरनेट की जटिलताओं का पता लगाना जारी रखते हैं, इंटरनेट के बाद की कला प्रौद्योगिकी और समाज के बीच विकसित होते संबंधों की जांच करने के लिए एक महत्वपूर्ण लेंस बनी हुई है, जो इस बारे में अंतर्दृष्टि प्रदान करती है कि डिजिटल संस्कृति आधुनिक अस्तित्व को कैसे आकार देती है।
5. कला में सामाजिक और राजनीतिक सक्रियता
हाल के वर्षों में, सामाजिक और राजनीतिक रूप से आवेशित कला में पुनरुत्थान देखा गया है, जिसमें कलाकार अपने काम को सक्रियता के लिए एक मंच के रूप में उपयोग कर रहे हैं। यह आंदोलन नस्लीय असमानता, लैंगिक पहचान और सामाजिक न्याय जैसे मुद्दों को संबोधित करता है, यथास्थिति को चुनौती देता है और संवाद को प्रेरित करता है। दृश्य सक्रियता दबावपूर्ण सामाजिक मुद्दों के बारे में जागरूकता बढ़ाने के लिए एक शक्तिशाली उपकरण बन गई है।
ऐ वेईवेई एक कलाकार-कार्यकर्ता का एक प्रमुख उदाहरण है, जिसका काम लगातार सामाजिक और राजनीतिक चिंताओं से जुड़ा हुआ है। उनकी इंस्टॉलेशन “सनफ्लावर सीड्स” में लाखों हाथ से पेंट किए गए सिरेमिक बीज हैं, जो आधुनिक समाज में बड़े पैमाने पर उत्पादन और व्यक्तित्व के नुकसान का प्रतीक हैं। हालाँकि प्रत्येक बीज एक जैसा दिखता है, लेकिन हर एक अद्वितीय है, जो वैश्वीकृत दुनिया में व्यक्ति और सामूहिक के बीच तनाव को उजागर करता है। चीनी विरासत से जुड़ी सामग्री, चीनी मिट्टी के बरतन का उपयोग करके, ऐ संस्कृति और श्रम शोषण के वस्तुकरण की आलोचना करता है। उनका काम दर्शकों को इन प्रणालियों के भीतर अपनी भूमिकाओं पर विचार करने के लिए आमंत्रित करता है, जिससे व्यापक सामाजिक-राजनीतिक गतिशीलता के बारे में जागरूकता बढ़ती है।9
इसी तरह, कारा वॉकर का काम बड़े पैमाने पर छाया-आकृति के माध्यम से जाति, लिंग और शक्ति को संबोधित करता है, जैसे कि उनकी इंस्टालेशन “ए सबटैलिटी” इस कृति में, वॉकर ने एक अश्वेत महिला की एक विशाल चीनी-लेपित मूर्ति बनाई, जिसे ब्रुकलिन में पूर्व डोमिनो शुगर रिफाइनरी में स्थापित किया गया था। यह मूर्ति चीनी उद्योग में अफ्रीकी दासों के ऐतिहासिक शोषण की ओर ध्यान आकर्षित करती है और अमेरिका में नस्लवाद तथा असमानता के स्थायी प्रभाव की आलोचना करती है। चीनी का उपयोग, जो कभी जबरन श्रम के माध्यम से उत्पादित किया जाता था, गुलामी के क्रूर इतिहास को आधुनिक उपभोग से जोड़ता है, दर्शकों को अतीत और वर्तमान के बारे में असहज सच्चाइयों का सामना करने के लिए चुनौती देता है।10
चित्र:5, कारा वॉकर, “ए सबटैलिटी”
ऐ वेईवेई, कारा वॉकर और अन्य के कार्यों के माध्यम से, यह स्पष्ट है कि कला सामाजिक और राजनीतिक परिवर्तन के लिए उत्प्रेरक के रूप में काम कर सकती है। ये कलाकार अपने मंचों का उपयोग हाशिए पर पड़ी आवाज़ों को बढ़ाने, सार्वजनिक संवाद को आकार देने और अधिक न्यायसंगत समाज को बढ़ावा देने के लिए करते हैं।
दृश्य कला में उभरती रंग योजनाएँ
1. मोनोक्रोम विद अ ट्विस्ट
कला में लंबे समय से चली आ रही परंपरा मोनोक्रोम रंग योजनाओं को समकालीन कलाकारों द्वारा नवीन तकनीकों का उपयोग करके पुनर्जीवित किया जा रहा है। परंपरागत रूप से, मोनोक्रोम कला सामंजस्यपूर्ण और अक्सर ध्यान आकर्षण दृश्य प्रभाव बनाने के लिए अलग-अलग टोनों में एक ही रंग का उपयोग करती है। हालाँकि, आधुनिक कलाकार अपने मोनोक्रोमैटिक पैलेट में एक ही विपरीत रंग पेश करके इस अवधारणा की पुनर्व्याख्या कर रहे हैं। यह सूक्ष्म जोड़ के एकरूपता को तोड़ता है, रचना की गहराई और गतिशीलता को बढ़ाता है एवं दर्शक का ध्यान आकर्षित करता है।
ब्रिटिश कलाकार ब्रिजेट रिले भी अपने ऑप आर्ट के कार्यों में इस दृष्टिकोण का उदाहरण देती हैं, जो दृश्य धारणा के साथ खेलते हैं। रिले ने अपने शुरुआती मोनोक्रोम टुकड़ों में ऑप्टिकल भ्रम पैदा करने के लिए शुरुआत में केवल काले और सफेद रंग का इस्तेमाल किया। बाद में, उन्होंने इन दृश्य प्रभावों को बढ़ाने के लिए थोड़ी मात्रा में रंग पेश किए। “कैटरैक्ट 3” (1967) में, रिले ने एक मोनोक्रोमैटिक तरंग पैटर्न में पतली रंगीन रेखाएँ जोड़ीं, जिससे तनाव पैदा हुआ और दृश्य जटिलता बढ़ी। मोनोक्रोम पृष्ठभूमि के खिलाफ जीवंत रंग के टुकड़े को एक गतिशील, आकर्षक अनुभव में बदल देते हैं।11
इस "मोड़ के साथ मोनोक्रोम" दृष्टिकोण के एक उल्लेखनीय अग्रदूत अमेरिकी कलाकार एल्सवर्थ केली हैं। रंग और रूप के अपने न्यूनतम अन्वेषणों के लिए जाने जाने वाले केली ने अक्सर अन्यथा मोनोक्रोमैटिक कार्यों में एक विपरीत रंग पेश किया। अपनी पेंटिंग रेड ब्लू ग्रीन (1963) में, केली ने लाल, नीले और हरे रंग के बड़े ब्लॉकों का उपयोग किया, जिससे एक न्यूनतम लेकिन आकर्षक रचना बनी। लाल के विपरीत चमकदार नीली पट्टी एक केंद्र बिंदु के रूप में कार्य करती है, दृश्य निरंतरता को बाधित करती है और दर्शक को यह विचार करने के लिए प्रेरित करती है कि रचना के भीतर रंग एक दूसरे से कैसे संबंधित हैं।12
चित्र:6, एल्सवर्थ केली, “रेड ब्लू ग्रीन” (1963)
ये उदाहरण प्रदर्शित करते हैं कि कैसे एक एकल विपरीत रंग एक मोनोक्रोमैटिक कलाकृति के प्रभाव को नाटकीय रूप से बदल सकता है। रंग योजना की एकरूपता को बाधित करके, केली और रिले जैसे कलाकार ऐसे काम बनाते हैं जो न केवल देखने में आकर्षक होते हैं बल्कि गहराई और अर्थ से भी भरपूर होते हैं। यह दृष्टिकोण समकालीन लेंस के माध्यम से फिर से कल्पना किए जाने पर मोनोक्रोम कला की असीम क्षमता को उजागर करता है।
2. पेस्टल पैलेट
पेस्टल पैलेट, जिसमें नरम, म्यूट टोन की विशेषता है, ने समकालीन दृश्य कलाओं में एक महत्वपूर्ण पुनरुत्थान देखा है। ये सौम्य रंग कलाकारों द्वारा शांति, उदासीनता और आत्मनिरीक्षण को जगाने की उनकी क्षमता के लिए तेजी से पसंद किए जा रहे हैं - ऐसे गुण जो आज की तेज-तर्रार दुनिया में गहराई से प्रतिध्वनित होते हैं। पेस्टल का उपयोग अक्सर स्मृति, बचपन और पूर्वव्यापीकरण के विषयों का पता लगाने के लिए किया जाता है, जिससे भावनात्मक जुड़ाव के लिए एक शांतिपूर्ण स्थान बनता है।
फ्रांसीसी चित्रकार क्लेयर टैबूरेट अपने चिंतनशील और भावनात्मक रूप से आवेशित कार्यों में पेस्टल के उपयोग का उदाहरण प्रस्तुत करती हैं। टैबूरेट की कला अक्सर मासूमियत और अनुभव के बीच संतुलन पर आधारित होती है, जो विषय उनके रंग विकल्पों के माध्यम से शक्तिशाली रूप से व्यक्त किए जाते हैं। उदाहरण के लिए, अपनी श्रृंखला “द स्लीपर्स” में, वह नरम पेस्टल का उपयोग करके बच्चों और युवा वयस्कों को आराम की स्थिति में दर्शाती है। म्यूट किए गए रंग दृश्यों को एक स्वप्निल गुणवत्ता देते हैं, जो विषयों की भेद्यता और शुद्धता को उजागर करते हैं। यह पेस्टल पैलेट एक अंतरंग माहौल बनाता है, दर्शकों को उसके पात्रों की दुनिया में खींचता है और उन्हें मासूमियत और विकास के अपने अनुभवों पर चिंतन करने के लिए प्रोत्साहित करता है।13
इसी तरह, अमेरिकी कलाकार रिचर्ड डाइबेनकोर्न ने अपनी “ओशन पार्क” सीरीज में पेस्टल को प्रभावी ढंग से उपयोग किया है। बे एरिया फिगरेटिव मूवमेंट में एक प्रमुख व्यक्ति, डाइबेनकोर्न ने कैलिफोर्नियाई परिदृश्य के सार को पकड़ने के लिए हल्के, शानदार पेस्टल का उपयोग किया है। हल्के नीले, हरे और पीले रंग शांति और आत्मनिरीक्षण की भावना पैदा करते हैं, जो दर्शकों को एक शांत, ध्यानपूर्ण अनुभव प्रदान करते हैं। उनकी अमूर्त रचनाओं में पेस्टल टोन तटीय वातावरण के भावनात्मक स्वरों को सूक्ष्मता से व्यक्त करते हैं, जो दर्शक और कलाकृति के बीच एक गहरा व्यक्तिगत संबंध बनाते हैं।14
चित्र:7, रिचर्ड डाइबेनकोर्न, “ओशन पार्क”
समकालीन कला में पेस्टल रंगों का पुनरुत्थान शांति और चिंतन की सांस्कृतिक चाहत को दर्शाता है। क्लेयर टैबोरेट और रिचर्ड डाइबेनकोर्न जैसे कलाकार इन कोमल रंगों का उपयोग न केवल उनकी सौंदर्य अपील के लिए करते हैं, बल्कि भावनात्मक गहराई पैदा करना भी है, जिससे दर्शकों को आधुनिक जीवन की अराजकता से राहत मिल सके।
3. नियॉन और फ्लोरोसेंट रंग
नियॉन और फ्लोरोसेंट रंग, अपने ज्वलंत और तीव्र रंगों के साथ समकालीन दृश्य कलाओं के परिभाषित तत्व बन गए हैं, खासकर शहरी और सड़क कला में। ये चमकीले, विद्युतीय रंग पेस्टल रंगों की सूक्ष्मता के साथ तीव्र विरोधाभास पैदा करते हैं तथा एक साहसिक और प्रभावशाली दृश्य अनुभव का सृजन करते हैं। इन रंगों की ओर आकर्षित होने वाले कलाकार अक्सर रोजमर्रा की जगहों को जीवंत वातावरण में बदलने का लक्ष्य रखते हैं जो दर्शकों को आकर्षित और उत्साहित करते हैं। नियॉन और फ्लोरोसेंट रंगों का उपयोग केवल एक सौंदर्य विकल्प नहीं है, बल्कि मजबूत भावनात्मक प्रतिक्रियाओं को जगाने और पारंपरिक कला मानदंडों को चुनौती देने की एक रणनीति है।
एक कलाकार जो नियॉन और फ्लोरोसेंट रंगों का कुशलता से उपयोग करता है, वह जापानी अवंत-गार्डे कलाकार यायोई कुसामा है। कुसामा के “इन्फिनिटी मिरर रूम इमर्सिव” इंस्टॉलेशन हैं जो दर्शकों को फ्लोरोसेंट गुलाबी, हरे और पीले रंग की रोशनी से भरे असली वातावरण में घेर लेते हैं। दर्पण दीवारों और छतों पर लगे हैं, जो अंतहीन स्थान का भ्रम पैदा करने के लिए नियॉन रंगों को दर्शाते हैं। जीवंत रंगों और परावर्तक सतहों का यह संयोजन दर्शकों को एक अनंत दूसरी दुनिया में ले जाता है, जहाँ भौतिक और आध्यात्मिक के बीच की सीमाएँ धुंधली हो जाती हैं। कुसामा द्वारा फ्लोरोसेंट रंगों का प्रयोग एक मंत्रमुग्ध कर देने वाला, तल्लीन कर देने वाला अनुभव प्रदान करता है, जो गहन भावनात्मक जुड़ाव को आमंत्रित करता है।15
स्ट्रीट आर्ट के क्षेत्र में, लॉस एंजिल्स के भित्तिचित्र कलाकार रिस्क को नियॉन और फ्लोरोसेंट रंगों के अपने अग्रणी उपयोग के लिए जाना जाता है। उनकी बड़े पैमाने की भित्तिचित्र कृतियाँ, जैसे कि “ब्यूटीफुली डिस्ट्रॉयड” चमकीले, चमकदार रंगों से निर्मित हैं जो एक दूसरे पर छा जाते हैं और मिश्रित होकर गतिशील ऊर्जा एवं गति पैदा करते हैं। रिस्क द्वारा फ्लोरोसेंट पेंट का उपयोग न केवल उनके काम की दृश्यता को बढ़ाता है बल्कि शहरी स्थानों को रचनात्मकता और सांस्कृतिक महत्व की जीवंत अभिव्यक्तियों में भी बदल देता है।16
चित्र:8, रिस्क, “ब्यूटीफुली डिस्ट्रॉयड”
समकालीन कला में नियॉन और फ्लोरोसेंट रंगों को अपनाना पारंपरिक रंग पैलेट से आगे बढ़ने और रंग की परिवर्तनकारी शक्ति का पता लगाने की इच्छा को दर्शाता है। चाहे इमर्सिव इंस्टॉलेशन हो या स्ट्रीट आर्ट, ये विद्युतीय रंग आधुनिक दृश्य अभिव्यक्ति को आकर्षित, ऊर्जावान और पुनर्जीवित करते हैं।
4. ग्रेडिएंट और ऑम्ब्रे प्रभाव
समकालीन दृश्य कलाओं में ग्रेडिएंट और ऑम्ब्रे डिजाइन के उपयोग ने एक प्रमुख प्रवृत्ति के रूप में महत्वपूर्ण गति प्राप्त की है। ये तकनीक कलाकृतियों में तरलता और गहराई जोड़ती हैं, उनकी दृश्य अपील को बढ़ाती हैं जबकि जटिल अर्थों को व्यक्त करने के लिए शक्तिशाली उपकरण के रूप में भी काम करती हैं।
जेम्स टरेल एक ऐसे कलाकार हैं जो ग्रेडिएंट प्रभाव का प्रभावी ढंग से उपयोग करते हैं, जो प्रकाश और अंतरिक्ष आंदोलन में एक प्रमुख व्यक्ति हैं। टरेल का काम अक्सर दर्शकों की धारणाओं को चुनौती देने वाले इमर्सिव वातावरण बनाने के लिए प्रकाश और रंग में हेरफेर करता है। अपनी इंस्टॉलेशन “एटेन रेन” (2013) में, टुरेल ने प्रकाश के संकेंद्रित छल्लों का उपयोग किया है जो रंगों के ढाल के माध्यम से संक्रमण करते हैं, जो नरम पेस्टल से लेकर गहरे, जीवंत रंगों तक होते हैं। रंगों का यह परस्पर क्रिया एक अलौकिक वातावरण को बढ़ावा देता है, जो शांति और चिंतन को जागृत करता है। ढाल न केवल दृश्य प्रभाव को बढ़ाता है बल्कि समय बीतने और जीवन की चक्रीय प्रकृति का भी प्रतीक है, क्योंकि रंग हल्के से गहरे और फिर वापस हल्के में बदलते हैं।17
इसी तरह, समकालीन कलाकार जेन स्टार्क अपनी जटिल कागज की मूर्तियों और कलाकृतियों में ग्रेडिएंट तथा ऑम्ब्रे प्रभाव का उपयोग करती हैं। उनके काम "कॉस्मिक शिफ्ट" (2014) में रंगों का एक मंत्रमुग्ध करने वाला मिश्रण है जो गर्म लाल और नारंगी से लेकर शांत नीले तथा बैंगनी रंग में बदल जाता है। यह ग्रेडिएंट गति की एक गतिशील भावना पैदा करता है, दर्शकों को आकर्षित करता है और उन्हें काम के जटिल विवरणों का पता लगाने के लिए आमंत्रित करता है। कॉस्मिक शिफ्ट में ग्रेडिएंट वैश्विक समुदाय के भीतर विविध दृष्टिकोणों और संस्कृतियों के परस्पर जुड़ाव का प्रतीक है।18
चित्र:9, जेन स्टार्क, "कॉस्मिक शिफ्ट" (2014)
रंग, ग्रेडिएंट और ऑम्ब्रे प्रभावों के निर्बाध संक्रमण के माध्यम से कलाकारों को एकता और परिवर्तन के विषयों का प्रतीक करते हुए शांति से लेकर उत्साह तक की भावनाओं को जगाने की अनुमति देता है। जैसा कि जेम्स टरेल और जेन स्टार्क के कार्यों में देखा गया है, ये तकनीकें दृष्टिगत रूप से आकर्षक और अर्थपूर्ण हैं, जो समकालीन दृश्य कला में उनके महत्व को उजागर करती हैं।
5. हाइपर-सैचुरेटेड और अल्ट्रा-रियलिस्टिक रंग योजनाएँ
समकालीन कला में, हाइपर-सैचुरेटेड और अल्ट्रा-रियलिस्टिक रंग योजनाएँ एक साहसिक प्रवृत्ति के रूप में उभरी हैं जो पारंपरिक रंग अनुप्रयोग को चुनौती देती हैं। ये तकनीकें वास्तविकता की बढ़ी हुई भावना पैदा करने के लिए तीव्र चमकीले रंगों का उपयोग करती हैं, जिससे दृश्य जीवन से भी अधिक प्रभावशाली और नाटकीय बन जाते हैं। यह दृष्टिकोण विशेष रूप से डिजिटल कला और फोटोग्राफी में प्रचलित है, जहाँ कलाकार भावनात्मक प्रभाव को बढ़ाने और दर्शकों को अपने काम में डुबोने के लिए रंगों में हेरफेर करते हैं।
हाइपर-सैचुरेशन का एक प्रमुख उदाहरण कलाकार और फोटोग्राफर एलेक्स प्रेगर के काम में देखा जा सकता है। उनकी सीरीज “फेस इन द क्राउड’ (2010) में अत्यधिक संतृप्त रंग और सावधानी से मंचित दृश्य हैं जो बढ़ी हुई वास्तविकता को दर्शाते हैं। जानबूझकर तीव्र किए गए रंग एक नाटकीय और सिनेमाई प्रभाव पैदा करते हैं, जो रोजमर्रा के क्षणों को जीवंत, असली दृश्यों में बदल देते हैं। प्रेगर द्वारा हाइपर-सैचुरेटेड रंगों का उपयोग न केवल ध्यान आकर्षित करता है बल्कि भावनात्मक प्रतिक्रियाएँ भी उत्पन्न करता है, जिससे दर्शक एक ऐसी दुनिया में पहुँच जाते हैं जो परिचित और काल्पनिक दोनों लगती है।19
इसी तरह, कलाकार जेम्स जीन ने अपने काम “द गार्डन” (2017) में इस तकनीक को प्रदर्शित किया है, जिसमें अतियथार्थवादी तत्वों को अतियथार्थवादी रंग योजनाओं के साथ मिश्रित किया गया है। यह कृति जीवंत रंगों और जटिल विवरणों का एक समृद्ध पैलेट प्रदर्शित करती है, जो एक काल्पनिक उद्यान का अति-यथार्थवादी चित्रण तैयार करती है। संतृप्त रंग दृश्य की अनोखी गुणवत्ता को बढ़ाते हैं, जिसे यह मनोरम और स्वप्नवत बनाते हैं। इस तकनीक के माध्यम सेजीन आश्चर्य की भावना व्यक्त करते हैं, दर्शकों को एक आकर्षक क्षेत्र का पता लगाने के लिए आमंत्रित करते हैं जो वास्तविकता और कल्पना के बीच की रेखाओं को धुंधला कर देता है।20
चित्र:10, जेम्स जीन, “द गार्डन” (2017)
रंग की सीमाओं को आगे बढ़ाते हुए, प्रेगर और जीन जैसे कलाकार ऐसे दृश्य बनाते हैं जो न केवल जीवंत होते हैं बल्कि विचारोत्तेजक भी होते हैं, जो समकालीन कला में रंग की परिवर्तनकारी शक्ति का प्रदर्शन करते हैं।
निष्कर्ष: दृश्य कलाएँ निरंतर विकास की स्थिति में हैं, जो समकालीन समाज की बदलती धाराओं और कलाकारों की अथक रचनात्मकता से प्रेरित हैं। जैसे-जैसे हम 21वीं सदी में प्रवेश करते हैं, नए रुझान और रंग योजनाएँ उभरती हैं, जो हमारे समय की जटिल वास्तविकताओं और विविध अनुभवों को दर्शाती हैं। इस प्रगति में न केवल नई तकनीकें और सौंदर्यशास्त्र शामिल हैं, बल्कि गहरे विषय भी हैं जो व्यक्तिगत और सामाजिक दोनों स्तरों पर प्रतिध्वनित होते हैं।
एक उल्लेखनीय विकास डिजिटल तकनीक और आभासी वास्तविकता का कला में एकीकरण है, जो कलात्मक अभिव्यक्ति की संभावनाओं का विस्तार करता है। राहेल रॉसिन जैसे कलाकार इमर्सिव वीआर वातावरण के साथ कला के अनुभव को फिर से परिभाषित कर रहे हैं, जिससे दर्शक पहले अकल्पनीय तरीकों से कलाकृति से जुड़ सकते हैं। यह तकनीकी बदलाव दृश्य कलाओं में पारंपरिक सीमाओं को बदलने के लिए डिजिटल माध्यमों की क्षमता को उजागर करता है।
स्थिरता और पर्यावरण के प्रति जागरूक प्रथाओं पर ध्यान केंद्रित करना पर्यावरणीय मुद्दों के बारे में बढ़ती जागरूकता को भी दर्शाता है। एग्नेस डेन्स और ओलाफुर एलियासन जैसे कलाकार अपने काम में पुनर्नवीनीकरण सामग्री और प्राकृतिक तत्वों का उपयोग करके पारिस्थितिक चिंताओं को संबोधित करते हैं, जो ग्रह के साथ हमारे संबंधों पर चिंतन को प्रेरित करते हैं। ये इको-आर्ट प्रथाएँ परिवर्तन की वकालत करने और पर्यावरण के साथ गहरे संबंध को बढ़ावा देने में कला की भूमिका को रेखांकित करती हैं।
इसके अतिरिक्त, सामाजिक और राजनीतिक रूप से आवेशित कला का पुनरुत्थान कला के सक्रियता के रूप में कार्य करने के तरीके में बदलाव को दर्शाता है। समकालीन कलाकार नस्लीय असमानता, लैंगिक पहचान और सामाजिक न्याय जैसे मुद्दों को संबोधित करने के लिए अपने मंचों का तेजी से उपयोग कर रहे हैं, शक्तिशाली इमेजरी बना रहे हैं जो संवाद और कार्रवाई को उत्प्रेरित करती है।
चूंकि कलाकार अति-संतृप्त और अति-यथार्थवादी, नियॉन और पेस्टल पैलेट जैसे रुझानों के साथ नवाचार कर रहे हैं, इसलिए दृश्य कला का भविष्य उस दुनिया के समान ही गतिशील और विविधतापूर्ण होने का वादा करता है जिसका वह प्रतिनिधित्व करना चाहता है, जो कला परिदृश्य को समृद्ध करेगा और दर्शकों को नए दृष्टिकोण प्रदान करेगा।
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शोधार्थी, स्कूल ऑफ़ डिजाइन एण्ड विजुअल आर्ट, एपीजे सत्या यूनिवर्सिटी, सोहना, गुरुग्राम, हरियाणा
manoj.k0075@gmail.com, 9463764791
गगन गंभीर
असिस्टेंट प्रोफेसर, डिपार्टमेंट ऑफ़ डिजाइन, एपीजे कॉलेज ऑफ़ फाइन आर्ट्स, जलंधर, पंजाब
gambhirg25@gmail.com, 9872038914
दृश्यकला विशेषांक
अतिथि सम्पादक : तनुजा सिंह एवं संदीप कुमार मेघवाल
चित्तौड़गढ़ (राजस्थान) से प्रकाशित पत्रिका
अपनी माटी (ISSN 2322-0724 Apni Maati) अंक-55, अक्टूबर, 2024 UGC CARE Approved Journal
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